LE MONTAGE

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MONTER C’EST AGENCER UNE HISTOIRE

Pourquoi fractionner ? Parce que cela correspond le plus souvent à la nécessité de rendre le visionnage d’une action plus attractive que si elle était simplement montré en plan séquence. Par le biais de divers plans partiels (changement d’échelle et/ou d’angle de point de vue, champ-contre champ, plan de coupe, vue subjective, etc.), on réactive l’intérêt du spectateur tout en restituant l’illusion d’une continuité logique dans le déroulement de la séquence.

MONTER C’EST AUSSI METTRE DU RYTHME

Quels que soient les types d’images et d’enchaînement utilisé, le montage véhicule du rythme par le simple choix des durées des plans. Il est donc très facile d’induire une sensation de rapidité, d’énergie et de dynamisme en assemblant uniquement des plans brefs.
Ce procédé est couramment utilisé dans un montage court tel que le clip musical ou la pub.
A contrario, un scénario plus introspectif ou à vocation onirique se satisfera mieux d’une certaine lenteur qu’il sera facile là aussi d’instaurer en n’usant que de plans longs voire de plans séquences. Mais la plupart du temps, c’est un bon compromis entre les deux, avec des variations de rythme alternant diverses séries de plans courts avec des plans longs, qui sait le mieux accaparer l’attention du spectateur lorsqu’il s’agit de documentaire, reportage ou fiction.

Alterner gros plans et plans d’ensemble, ou enchaîner à l’aide de fondus.
Variante plus sophistiquée : changer rapidement de focale et insérer un ou plusieurs plans de coupe, venant masquer les quelques secondes de zoom.
Les plans de coupe peuvent être des éléments de décor, ou des détails des acteurs.

 

ASTUCES DE MONTAGE

DANS UNE CÉRÉMONIE

Les célébrations sont toujours construites sur le même modèle : l’arrivée des invités, un pic d’intérêt, puis un repas et une soirée dansante.
Autrement dit, pour donner du rythme et surprendre, le secret réside dans la destruction de cette chronologie que tout le monde attend. La recette est presque universelle.
Ne pas hésiter à alterner les plans larges pour montrer le maximum de personnes et interviews pour donner du rythme à l’ensemble.

LES RACCORDS

Réserver les fondus enchaînés et autres transitions aux scènes où l’effet d’ellipse temporelle est utile pour signifier par ex un changement de lieu, d’heure ou de situation.
Lorsque la gestuelle est importante, il est plus efficace de raccorder en mouvement.
Gardez seulement le tout début du mouvement dans le plan amont et faites se dérouler la majorité de celui-ci dans le plan aval.

LE RALENTI ou ACCÉLÉRÉ

On peut appliquer un ralenti sur un plan de paysage qui tremblote (légèrement).
En général une réduction de la vitesse d’un quart suffit.
Une autre application « non naturelle » du ralenti est de permettre de prolonger un plan trop court.
L’accéléré s’emploie surtout pour générer un effet burlesque.
Mais on rencontre aussi ce procédé pour condenser une situation qui se prolonge indéfiniment.

MONTAGE AUDIO

Lors d’une prise de son en milieu trop réverbérant, il arrive souvent que l’on entende l’écho de la pièce au montage. Pour cela utiliser l’égaliseur graphique ou paramétrique pour atténuer le gain des basses fréquences : l’écho se promène toujours entre 100 et 400hz.
Un film est un ensemble qui doit être équilibré. Au delà de 45 sec de parole d’un coup, l’attention décroche à moins que l’interviewé le mérite. Et c’est rare !

MONTAGE MULTI CAMERAS

Le montage à plusieurs caméras donne souvent l’envie de passer sans cesse d’une source à l’autre sur un rythme un peu frénétique. Nous vous conseillons de changer de source à l’occasion d’une « fin de quelque chose ». Il peut s’agir de l’aboutissement d’un zoom ou panoramique, ou encore d’une conclusion sonore telle que le dernier mot d’une phrase prononcée par un interlocuteur ou un moment musical clé comme un changement de tempo ou une reprise de rythme.
Proscrivez le mélange en fondu complet de deux plans de même focale ou de focale proche, ou dotés du même éclairage.

 

LE TITRAGE

Si vous voulez que votre chef-d’œuvre fasse « cinéma » écrivez petit ! les polices sont en général sobres, de type bâton, sans fioritures particulières de façon à préserver une bonne lisibilité. Quant aux couleurs, le blanc est généralement adopté car plus lisible.

En occident, on associe les couleurs claires à la joie, à la chaleur et à la frivolité, tandis que les teintes sombres sont ressenties comme porteuses de tristesse et de froid mais aussi de rigueur.
Une fois que vous avez choisi une couleur principale pour votre texte, conservez-la pour tous les autres titrages relevant de ce montage. Il est souvent préférable d’opter pour une teinte unie et claire, plus passe-partout que les nuances foncées ou trop dégradées. Certaines couleurs tendent à « baver » en vidéo composite. C’est particulièrement le cas du rouge.

LE GÉNÉRIQUE

En mode déroulement de bas en haut, calculez la vitesse de déplacement du générique de façon à ce qu’elle permette une lecture confortable. Pour cela faites-en une lecture réelle à haute voix et ajustez en conséquence.
Avant de vous lancer dans la composition du titre principal, attaquez d’abord le générique de fin pour conserver le même esprit dans votre métrage.
Une astuce de plus en plus pratiquée consiste à insérer des images bonus, des séquences ratées amusantes, des petites animations, etc.

L’OMBRE

L’ombrage renforce d’abord l’impression de relief, en mettant l’accent sur un effet de lumière ou la direction de cette dernière. Il peut également jouer un rôle de voile nuageux, de support cotonneux susceptible de restituer une ambiance onirique recherchée.
Pour accentuer l’impression de réalisme, l’angle de l’ombre d’un lettrage doit respecter la direction apparente de l’éclairage dans l’image.
Une ombre simple, c’est-à-dire avec une ordure franche qui se découpe nettement par rapport au fond, a tendance à renforcer la lisibilité du titrage.
Un authentique éclairage venant traditionnellement du haut, il est préférable de placer l’ombre en dessous du titre ou en diagonale basse sur un côté pour conserver une sensation de naturel.

LE LETTRAGE

Les polices arial, verdana ou toute autre de type bâton conviennent très bien.
Ne mettez pas le texte en italique, cela risque de diminuer sa visibilité.
Quant à la taille des lettres, elle doit être aussi petite que possible afin de ne pas trop empiéter sur l’image mais le texte doit rester lisible à deux mètres au moins de distance de l’écran.
Réalisez un premier sous-titrage et faites le test. S’il est concluant, conservez cette taille et cette police pour l’ensemble du montage.

 

L’ENCODAGE

Il faut penser à la manière dont la video sera présentée sur la page d’un site. En général, elle est symbolisée par une vignette extraite du film. Pensez à extraire l’image fixe la plus parlante.

Les encodeurs détestent les fondus au noir.
D’une manière générale, tous les mouvements rapides de caméra donnent de mauvais résultats en ralentissant la cadence d’images.
Gare aussi aux titres incrustés sur des images.
Essayez de limiter au maximum les scènes peu lumineuses.
Autre solution qui ne peut être employée que sur la toile., surexposez artificiellement le clip grâce au filtre luminosité/contraste. Comme la qualité de diffusion est basse, le bruit produit par le trucage sera noyé dans la masse.
Au besoin, augmentez le gain pour vos niveaux audio en flirtant avec le rouge.

ENCODER EN H264

 il est recommandé d’utiliser un encodage double passe et de choisir des débits compris entre 1.5 et 4mbits/s pour la SD et entre 7 et 12mbits/s pour la HD.

 

VOIR LES PARTICULARITÉS DU REFLEX

 

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